2021年4月15日，威尼斯讯——由艺术家Peter Fischli构思的展览“停止绘画”（Stop Painting）将于2021年5月22日至11月21日在Prada基金会（Fondazione Prada）威尼斯会址，即历史悠久的王后宫（Ca’ Corner della Regina）展出，并于5月19日（星期三）举行媒体预览活动。
Peter Fischli描述该展览为“批判态度的万花筒”，它探索了过去150年绘画史中一系列特定断层，并结合新的社会因素和文化价值的出现进行探讨。展览还将自己投射于当下和未来的维度，试图理解进一步的发展是否正在发生，当前的数字革命是否也会导致新的绘画危机，抑或反之，有助于其复兴。
“坊间不时流传的绘画即将终结的说法是否捕风捉影？这一说法会否一语成谶？”这便是Fischli在构思展览之初的疑虑。为试图解答以上疑问及其他历史遗留问题， Fischli划分了五个由科技及社会变革导致的基础性断层，这些断层通过否绝和重塑绘画，标志着艺术范式转变。
摄影的普及是第一次断层的导火索。正如Rosalind Krauss所言：“摄影让人对艺术对象的独特性、作者的独创性……以及所谓个体自我表达这整个概念产生了质疑。”该观点也引发了画家Paul Delaroche于1840年前后发表的令人震惊的著名言论：“自今日起，绘画已死。”因此，绘画只能另辟蹊径，放弃写实。绘画的第二个危机是艺术现成品及拼贴画的出现，推动了绘画范围的拓展，使绘画能“借由物体在空间中移动”，如David Joselit所说。第三个断层由对作者身份概念的质疑引起，或是由Roland Barthes于1968年提出的“作者之死”。即使几年前艺术家已解决了真实性和原创性问题。第四次危机批判绘画于六十年代后期，由于流动性、象征价值及保存性俱佳逐渐演变为商品。第五个断层集中在所谓晚期资本主义社会的评论危机上，由Luc Boltanski和Eve Chiapello在其开创性的研究中提出。Fischli指出：“自20世纪80年代以来，先锋派的思想变得过时且分崩离析，再次宣告了绘画的关键地位的终结”。
艺术家将展览设计为第一人称主观语境下的多线程叙事。展览于王后宫一楼开始，首先展示了Fischli基于该特定场域设计的新作品，为整个项目的微缩模型。艺术家将其命名为“绘画展览的雕塑”。该模型还辅以Fischli亲笔撰写的文字说明，详细叙述本次展览的十章节，汇聚了80余位艺术家的110多幅作品。“停止绘画”于威尼斯王后宫二楼全面展开，放弃时间顺序而采用了个性化且独特的叙事逻辑。展览新建了一套临时墙体，切割了现有空间，穿越连结不同房间的门槛。这些墙体统一的现代主义外观与二楼中央大厅的壁画和装饰墙形成了鲜明的对比，呼应了绘画媒介所表达的不同艺术立场。
“停止绘画”随附Prada基金会出版的插图书籍。其中包括Diedrich Diederichsen、Eva Fabbris、Arthur Fink、Peter Fischli、Mark Godfrey、Boris Groys、John Kelsey、Sarah Lehrer-Graiwer和Hanna Magauer的文章，以及Mario Mainetti对策展人的采访。
展览章节
“否定谵妄”（Delirium of Negation）章节占据了王后宫二楼的中心区域。艺术家和评论家John Kelsey认为，“绘画的终结只能是重复。”在本章节展示的作品由Lucio Fontana、Lee Lozano、Francis Picabia、Adrian Piper、Ed Rusha和Jean-Frédéric Schnyder等实现，并均验证了这一假设。这些作品展现了绘画对历史危机的应对，如艺术现成品、摄影及绘画的商业性对绘画的冲击。
“人与机器”（Mensch Maschine）章节探究了艺术家作为创作者即将被淘汰的可能性，并质疑了人类作为创作活动灵感的主体性观念。Andrea Fraser、Pinot Galizio、Alain Jacquet、Piero Manzoni和Niki de Saint Phalle结合了新科技装置和发明，阐述了艺术品与日常物品之间那令人惊恐的日益缩小的差异。
“没什么好看的，没什么好隐瞒的” （Niente da vedere niente da nascondere）这一章节汇聚了Carla Accardi、Walter De Maria、David Hammons、KlaraLíden、Martin Kippenberger和Albert Oehlen的作品。艺术家们将作品隐藏、遮盖或摧毁，使观众不可只迷恋它的表面。
“文字与图像”（Word Versus Image）章节以John Baldessari、Gene Beery、Karen Kilimnik、Pino Pascali和Jim Shaw等人的作品为代表，探索了20世纪绘画的一个关键方面即图像内含文字元素，并研究图像和文字间的关系。
正如学者Boris Groys所言：“绘画本身失去了它的语境，变成了一个物品，现成的、无语境的、无世界观的物品。”在“当绘画变成物品” （When Paintings Become Things）章节，绘画“经过几世纪来作为外在世界的表现形式”后，自其图像性表达中抽离，独立自治。Dadamaino、Carol Rama、Jean-Frederic Schnyder和Rosemarie Trockel的作品是对真实元素的同义表达，或借由世俗和简单的物体组成。
Boris Lurie绘画作品“不”（NO）,Gustave Metzger的自我毁灭艺术和Henry Flynt针对艺术博物馆的暴力标志都是对既定准则的质疑和对绘画和文化工业的普遍排斥。这些艺术家的作品属于“放手去拒绝”（Let's Go and Say No）章节，该章节展示了对艺术的批评及其商业倾向和更广泛的政治与社会抗议运动间密切的联系。
“现成品属于每个人” （Readymades Belong to Everyone）章节，展示了现成品对商业文化及艺术史的侵占，是两部分的重合部分。Marcel Duchamp、Sturtevant、Ben Vautier和Andy Warhol等人用他们的作品挑战作者身份的观念，用他们的实践解构绘画的概念。
“几近于无”（Next to Nothing）章节中，作品涉及单色系、空白画布和在表面绘制标记的创作。Martin Barré孤立又匿名的标志，Francis Picabia晚期的抽象绘画用多余的点“装饰”（decorated），Blinky Palermo的织物绘画和Lynda Benglis的“倾倒”（pours）都表达了趋向于本质的趋势，重置或讽刺了绘画行为。
Roy Lichtenstein、Gerhard Richter和Josh Smith等人在“反向拼写”（Spelling Backwards）中的作品，“旨在证明不存在‘绘画本质’，他们强调了媒介的传统性，而作为亲笔绘画证明的作画手势正在瓦解。”Peter Fischli如是说。
“缓慢逝去”（Die Hard, Stirb Langsam, Duri a morire）章节汇集了对媒介表达浪漫怀旧情怀的作品，甚至对Marcel brodthaers、Asger Jorn和Kurt Schwitters等先锋艺术家来说，具象绘画的潜在吸引力也十分巨大。
Theaster Gates、Wade Guyton、Bruce Nauman、Lawrence Weiner及其他艺术家的精选作品散布在王后宫的一楼、庭院及楼梯上，丰富了展览故事线，深入阐述展览主题“停止绘画”。
相关文章
精彩导读
热门资讯